Jackie McLean • Vertigo

 

Biography
John Lenwood (Jackie) McLean was an alto saxophonist, composer, bandleader and educator, born in New York City.

His father, John Sr., who died in 1939, played guitar in Tiny Bradshaw's orchestra. After his father's death, his musical education was continued by his godfather, by his stepfather, who owned a record store, and by several noted teachers. He also received informal tutoring from neighbours Thelonious Monk, Bud Powell, and Charlie Parker. During high school he played in a band with Kenny Drew, Sonny Rollins, and Andy Kirk Jr. (the tenor saxophonist son of Andy Kirk).

He recorded with Miles Davis, on Davis' Dig album, when he was 19 years old. Rollins played on the same album. As a young man McLean also recorded with Gene Ammons, Charles Mingus, andGeorge Wallington, and as a member of Art Blakey's Jazz Messengers (he reportedly joined the Jazz Messengers after being punched by the notoriously violent Mingus and, fearing for his life, stabbing him in self-defence). His early recordings as leader were in the hard bop school. He later became an exponent of modal jazz without abandoning his foundation in hard bop. Throughout his career he was known for his distinctive tone (often described with such adjectives as withering, piercing, or searing), his slightly sharp pitch, and a strong foundation in blues.

McLean was a heroin addict throughout his early career, and the resulting loss of his New York City cabaret licence forced him to undertake a large number of recording dates; consequently, he produced a large body of recorded work in the 1950s and 60s. He was under contract with Blue Note Records from 1959 to 1967, having previously recorded for Prestige. Blue Note offered better pay and more artistic control than other labels, and his work for Blue Note is highly regarded.

In 1962 he recorded Let Freedom Ring for Blue Note. This album was the culmination of attempts he had made over the years to deal with harmonic problems in jazz, especially in soloing on his piece "Quadrangle." (*"Quadrangle" appears on BST 4051, Jackie's Bag, recorded in 1959). Let Freedom Ring began a period in which he performed with avant-garde musicians rather than the veteran hard bop performers he had been playing with. His recordings from 1962 on, in which he adapted the innovations of modal and free jazz to hard bop, made his body of work distinctive.

In 1964, he served six months in prison on drug charges. The period immediately after his release from prison is known as his acid period because the three albums he released during it were much harsher in tone than his previous albums.

In 1967, his recording contract, like those of many other progressive musicians, was terminated by Blue Note's new management. His opportunities to record promised so little pay that he abandoned recording as a way to earn a living, concentrating instead on touring. In 1968, he began teaching at The Hartt School of the University of Hartford. He later set up the university's African American Music Department (now the Jackie McLean Institute of Jazz) and its Jazz Studies degree program.

In 1970, he and his wife, Dollie, founded the Artists' Collective, Inc. of Hartford, an organization dedicated to preserving the art and culture of the African diaspora. It provides educational programs and instruction in dance, theatre, music and visual arts.

He received an American Jazz Masters fellowship from the National Endowment for the Arts in 2001.

His stepson René is a jazz saxophonist and flautist as well as a jazz educator.

After a long illness, McLean died on March 31, 2006, in Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/

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 Biografía
John Lenwood (Jackie) McLean fue un saxofonista alto, compositor, director de orquesta y educador, nacido en la ciudad de Nueva York.

Su padre, John Sr., fallecido en 1939, tocaba la guitarra en la orquesta de Tiny Bradshaw. Tras la muerte de su padre, su educación musical fue continuada por su padrino, por su padrastro, propietario de una tienda de discos, y por varios profesores de renombre. También recibió clases informales de sus vecinos Thelonious Monk, Bud Powell y Charlie Parker. Durante el instituto tocó en una banda con Kenny Drew, Sonny Rollins y Andy Kirk Jr. (el saxofonista tenor hijo de Andy Kirk).

Grabó con Miles Davis, en el álbum Dig de Davis, cuando tenía 19 años. Rollins tocó en el mismo álbum. De joven, McLean también grabó con Gene Ammons, Charles Mingus y George Wallington, y como miembro de los Jazz Messengers de Art Blakey (al parecer, se unió a los Jazz Messengers después de recibir un puñetazo del notoriamente violento Mingus y, temiendo por su vida, apuñalarle en defensa propia). Sus primeras grabaciones como líder pertenecían a la escuela del hard bop. Más tarde se convirtió en un exponente del jazz modal sin abandonar su base en el hard bop. A lo largo de su carrera fue conocido por su tono característico (a menudo descrito con adjetivos como fulminante, penetrante o abrasador), su tono ligeramente agudo y una sólida base de blues.

McLean fue adicto a la heroína al principio de su carrera, y la consiguiente pérdida de su licencia de cabaret en Nueva York le obligó a realizar un gran número de grabaciones; en consecuencia, produjo una gran cantidad de trabajos discográficos en los años cincuenta y sesenta. Entre 1959 y 1967 firmó un contrato con Blue Note Records, tras haber grabado anteriormente para Prestige. Blue Note le ofrecía mejores salarios y más control artístico que otros sellos, y su trabajo para Blue Note goza de gran prestigio.

En 1962 grabó Let Freedom Ring para Blue Note. Este álbum fue la culminación de los intentos que había hecho a lo largo de los años para tratar los problemas armónicos en el jazz, especialmente en el solo de su pieza "Quadrangle". (*"Quadrangle" aparece en BST 4051, Jackie's Bag, grabado en 1959). Let Freedom Ring inició un periodo en el que actuó con músicos de vanguardia en lugar de con los veteranos intérpretes de hard bop con los que había estado tocando. Sus grabaciones a partir de 1962, en las que adaptó las innovaciones del jazz modal y el free jazz al hard bop, dieron un carácter distintivo a su obra.

En 1964 pasó seis meses en la cárcel acusado de tráfico de drogas. El periodo inmediatamente posterior a su salida de la cárcel se conoce como su periodo ácido porque los tres álbumes que publicó durante el mismo tenían un tono mucho más duro que sus álbumes anteriores.

En 1967, su contrato discográfico, como el de muchos otros músicos progresistas, fue rescindido por la nueva dirección de Blue Note. Sus oportunidades de grabar prometían tan poca paga que abandonó la grabación como forma de ganarse la vida, concentrándose en cambio en las giras. En 1968 empezó a dar clases en la Hartt School de la Universidad de Hartford. Más tarde creó el Departamento de Música Afroamericana de la universidad (ahora Instituto de Jazz Jackie McLean) y su programa de estudios de jazz.

En 1970, él y su esposa, Dollie, fundaron el Artists' Collective, Inc. de Hartford, una organización dedicada a preservar el arte y la cultura de la diáspora africana. Ofrece programas educativos e instrucción en danza, teatro, música y artes visuales.

En 2001 recibió una beca American Jazz Masters de la National Endowment for the Arts.

Su hijastro René es saxofonista y flautista de jazz, además de profesor de jazz.

Tras una larga enfermedad, McLean falleció el 31 de marzo de 2006 en Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/

Jackie McLean • Bluesnik

 

Review
by Scott Yanow
Bluesnik, Jackie McLean's seventh session as a leader for Blue Note Records, was one of only two recordings issued by McLean in 1961. With a lineup of trumpeter Freddie Hubbard, bassist Doug Watkins, pianist Kenny Drew, and drummer Pete La Roca, McLean laid down a hard blowing session of six tunes based completely on blues motifs. Many critics -- as well as jazz fans -- hold to the opinion that Bluesnik may be McLean's most accessible session for the label. That said, not all of these tunes are blues numbers strictly speaking. They use blues forms, but don't all fall into the conventional 12-bar structure, and therefore even move hard bop paradigms a bit. The title track opening the set is a prime example of this given that it quotes the theme in 12-bar but moves through a knotty ten-bar sequence before roaring into a furious but fluid cut time structure that allows for a maximum "stretching" of the changes by Drew. Drew's "Cool Green," screws around with the 12-bar in the melody, but given the introductory statements made before each line and in the solo breaks, it too pushes the standard blues architecture. There are the great moments in blues here that helped to establish McLean as a giant, such as "Drew's Blues," and the lovely "Torchin'," that closes the set. Hubbard's role here is relatively minor in that he had not yet established himself as a leader and he was still growing into his choppy, taut method of soloing. The swing factor of the rhythm section is undeniable, especially the interaction between Drew and La Roca. In all, this is a monster session effortlessly performed by a soloist at an early peak with a supporting cast of blazing sidemen.
https://www.allmusic.com/album/bluesnik-mw0000200034

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Reseña
por Scott Yanow
Bluesnik, la séptima sesión de Jackie McLean como líder para Blue Note Records, fue una de las dos únicas grabaciones publicadas por McLean en 1961. Con una formación compuesta por el trompetista Freddie Hubbard, el bajista Doug Watkins, el pianista Kenny Drew y el baterista Pete La Roca, McLean realizó una sesión de seis temas basados completamente en motivos de blues. Muchos críticos, así como los aficionados al jazz, opinan que Bluesnik puede ser la sesión más accesible de McLean para el sello. Dicho esto, no todas estas melodías son números de blues estrictamente hablando. Utilizan formas de blues, pero no todas caen en la estructura convencional de 12 compases, y por lo tanto incluso mueven un poco los paradigmas del hard bop. El tema que abre el conjunto es un excelente ejemplo de ello, dado que cita el tema en 12 compases, pero se mueve a través de una nudosa secuencia de diez compases antes de rugir en una furiosa pero fluida estructura de tiempo de corte que permite un máximo "estiramiento" de los cambios por parte de Drew. Cool Green" de Drew, da vueltas al compás de 12 barras en la melodía, pero dadas las declaraciones introductorias hechas antes de cada línea y en las pausas del solo, también empuja la arquitectura estándar del blues. Hay grandes momentos de blues aquí que ayudaron a establecer a McLean como un gigante, como "Drew's Blues", y la encantadora "Torchin'", que cierra el conjunto. El papel de Hubbard aquí es relativamente menor en el sentido de que aún no se había establecido como líder y todavía estaba creciendo en su método de solista entrecortado y tenso. El factor swing de la sección rítmica es innegable, especialmente la interacción entre Drew y La Roca. En definitiva, se trata de una sesión monstruosa, interpretada sin esfuerzo por un solista en su mejor momento, con un elenco de acompañantes de lujo.
https://www.allmusic.com/album/bluesnik-mw0000200034

VA • Jazzin' the 60's

 

Jimmy Smith, Jackie McLean, Kenny Drew, Stanley Turrentine, Freddie Redd, Lou Donaldson, Kenny Burrell, Wayne Shorter, Blue Mitchell, Herbie Hancock, Lee Morgan, Duke Pearson, McCoy Tyner ...

 

 

 

 

Donald Byrd • Off to the Races

 

Biography by Steve Huey
Donald Byrd was considered one of the finest hard bop trumpeters of the post-Clifford Brown era. He recorded prolifically as both a leader and sideman from the mid-'50s into the mid-'60s, most often for Blue Note, where he established a reputation as a solid stylist with a clean tone, clear articulation, and a knack for melodicism. Toward the end of the '60s, Byrd became fascinated with Miles Davis' move into fusion, and started recording his own forays into the field. In the early '70s, with the help of brothers Larry and Fonce Mizell, Byrd perfected a bright, breezy, commercially potent take on fusion that was distinct from Davis, incorporating tighter arrangements and more of a smooth soul influence. Opinions on this phase of Byrd's career diverge wildly -- jazz purists utterly despised it, branding Byrd a sellout and the records a betrayal of talent, but enraptured jazz-funk fans regard it as some of the most innovative, enduring work of its kind. In fact, proportionately speaking, Byrd was held in even higher esteem by that audience than by straight-ahead jazz fans who enjoyed his hard bop output.

Donaldson Toussaint L'Ouverture Byrd II was born in Detroit, Michigan, on December 9, 1932. His father, a Methodist minister, was an amateur musician, and Byrd was already an accomplished trumpeter by the time he finished high school, having performed with Lionel Hampton. Byrd served a stint in the Air Force, during which time he played in a military band, and subsequently completed his bachelor's degree in music at Wayne State University in 1954. He moved to New York in 1955 to get his master's at the Manhattan School of Music, and soon began performing with pianist George Wallington's group. In December of that year, he was invited to join Art Blakey's Jazz Messengers, filling a chair once held by his idol, Clifford Brown, and Kenny Dorham. Byrd also began his recording career during this period, leading several sessions (mostly for Savoy) and working often as a sideman, particularly at the Prestige label. He left the Jazz Messengers in 1956 and joined up with Max Roach; he went on to play with the likes of John Coltrane, Sonny Rollins, and Red Garland, and also co-founded the Jazz Lab Quintet with altoist Gigi Gryce in 1957.

In 1958, Byrd signed an exclusive recording contract with Blue Note, and also formed a band with baritonist Pepper Adams, who would remain Byrd's regular partner until 1961. Byrd's Blue Note debut was 1958's Off to the Races, and he and Adams collaborated on a series of excellent hard bop dates over the next three years, including Byrd in Hand (1959), At the Half Note Cafe, Vols. 1-2 (1960), The Cat Walk (1961), and Royal Flush (also 1961), among others. Another 1961 recording, Free Form, found Byrd giving a young Herbie Hancock some of his earliest exposure. Following this burst of activity, Byrd took a sabbatical to continue his studies in Europe, where he spent some time under the tutelage of the legendary French music educator Nadia Boulanger. He returned to the U.S. in 1963 and recorded A New Perspective, a now-classic set that broke new ground by incorporating gospel choirs into its arrangements; its signature piece, "Cristo Redentor," became quite popular.

In the mid-'60s, Byrd focused more of his energies on teaching, and worked diligently to make jazz and its history a legitimate part of the college curriculum. He taught at Rutgers, Hampton, New York University, and Howard in the late '60s, and the last one remained a steady association for much of the '70s. In the meantime, Byrd continued to record occasionally, cutting a final spate of hard bop albums over 1966-1967 that included Mustang! and Blackjack. Byrd also began to study African music, inspired partly by the emerging Black-consciousness movement, and became interested in Miles Davis' efforts to woo a younger audience (including Byrd's own students) by experimenting with electronics and funk rhythms. Released in 1969, Fancy Free found Byrd using electric piano for the first time, with a spacy sound that recalled Davis' In a Silent Way. Issued in 1970, Electric Byrd had more of a Bitches Brew flavor, and the jams on 1971's Ethiopian Knights were longer, funkier, and more aggressive.

Byrd truly came into his own as a fusion artist when he hooked up with brothers Larry and Fonce Mizell, who began to handle production, writing, and some musical support duties. Their first collaboration was 1972's Black Byrd, an upbeat, funky blend of jazz and R&B. Jazz critics detested the album and called Byrd all sorts of names, but the record was a smash hit; it became the biggest seller in Blue Note history, and just missed hitting number one on the R&B albums chart. In the wake of its success, Byrd formed a supporting group, the Blackbyrds, who were culled from the cream of his music students at Howard University and recorded through the rest of the '70s. Byrd went on to release a string of successful LPs in partnership with the Mizell Brothers, including the imaginary blaxploitation soundtrack Street Lady (1974), Stepping into Tomorrow (1975), the much-lauded Places and Spaces (1976), and Caricatures (1977). All made the Top Ten on the R&B album charts, and the Places and Spaces single "Change (Makes You Wanna Hustle)" even got substantial play in discotheques. Jazz-funk fans revere this period in general, but usually reserve their highest praise for Street Lady and, especially, Places and Spaces. As a side note to his musical career, Byrd finished law school in 1976, and went on to teach at North Carolina Central University.

Following Caricatures, Byrd parted ways with Blue Note and the Mizell Brothers and moved to Elektra. He recorded several albums between 1978 and 1983, but even the most commercially successful, 1978's Thank You...For F.U.M.L. (Funking Up My Life), didn't match the infectiousness of his Blue Note jazz-funk outings. In 1982, Byrd received his Ph.D. from Columbia Teachers College. He spent a few years in the mid-'80s away from recording, due in part to ill health, but continued to teach, moving on to North Texas State and Delaware State. In the late '80s and early '90s, Byrd returned to the hard bop of his early days on several sessions for the Landmark label. He participated in rapper Guru's Jazzmatazz project in 1993, and with the advent of the jazz-rap movement and England's acid jazz revival, his '70s albums became hugely popular sources for samples. In the meantime, Byrd continued his activities as a jazz educator. He died in February 2013 at the age of 80.
https://www.allmusic.com/artist/donald-byrd-mn0000149946#biography

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Biografía de Steve Huey
Donald Byrd fue considerado uno de los mejores trompetistas de hard bop de la era posterior a Clifford Brown. Grabó prolíficamente como líder y acompañante desde mediados de los 50 hasta mediados de los 60, la mayoría de las veces para Blue Note, donde estableció una reputación como un estilista sólido con un tono limpio, una articulación clara y una habilidad especial para el melodicismo. Hacia finales de los 60, Byrd quedó fascinado con el movimiento de Miles Davis hacia la fusión y comenzó a grabar sus propias incursiones en el campo. A principios de los 70, con la ayuda de los hermanos Larry y Fonce Mizell, Byrd perfeccionó una versión brillante, alegre y comercialmente potente de la fusión que era distinta de Davis, incorporando arreglos más ajustados y una influencia soul más suave. Las opiniones sobre esta fase de la carrera de Byrd divergen enormemente: los puristas del jazz lo despreciaron por completo, calificando a Byrd de vendido y los discos de traición al talento, pero los entusiastas fanáticos del jazz-funk lo consideran uno de los trabajos más innovadores y perdurables de su tipo. De hecho, proporcionalmente hablando, Byrd era tenido en una estima aún mayor por esa audiencia que por los fanáticos del jazz que disfrutaban de su producción de hard bop.

Donaldson Toussaint L'Ouverture Byrd II nació en Detroit, Michigan, el 9 de diciembre de 1932. Su padre, un ministro metodista, era músico aficionado, y Byrd ya era un trompetista consumado cuando terminó la escuela secundaria, habiendo actuado con Lionel Hampton. Byrd sirvió un período en la Fuerza Aérea, tiempo durante el cual tocó en una banda militar, y posteriormente completó su licenciatura en música en la Universidad Estatal de Wayne en 1954. Se mudó a Nueva York en 1955 para obtener su maestría en la Escuela de Música de Manhattan, y pronto comenzó a tocar con el grupo del pianista George Wallington. En diciembre de ese año, fue invitado a unirse a los Jazz Messengers de Art Blakey, ocupando una silla que alguna vez ocuparon su ídolo, Clifford Brown, y Kenny Dorham. Byrd también comenzó su carrera discográfica durante este período, dirigiendo varias sesiones (principalmente para Savoy) y trabajando a menudo como acompañante, particularmente en el sello Prestige. Dejó los Jazz Messengers en 1956 y se unió a Max Roach; pasó a tocar con gente como John Coltrane, Sonny Rollins y Red Garland, y también cofundó el Jazz Lab Quintet con la altoista Gigi Gryce en 1957.

En 1958, Byrd firmó un contrato de grabación exclusivo con Blue Note, y también formó una banda con el barítono Pepper Adams, quien seguiría siendo el socio habitual de Byrd hasta 1961. El debut de Byrd en Blue Note fue Off to the Races en 1958, y él y Adams colaboraron en una serie de excelentes fechas de hard bop durante los siguientes tres años, incluido Byrd in Hand (1959), En Half Note Cafe, Vols. 1-2 (1960) , The Cat Walk (1961) y Royal Flush (también 1961), entre otros. Otra grabación de 1961, Free Form, encontró a Byrd dándole a un joven Herbie Hancock parte de su exposición más temprana. Tras este estallido de actividad, Byrd se tomó un año sabático para continuar sus estudios en Europa, donde pasó un tiempo bajo la tutela de la legendaria educadora musical francesa Nadia Boulanger. Regresó a los Estados Unidos en 1963 y grabó A New Perspective, un conjunto ahora clásico que abrió nuevos caminos al incorporar coros góspel en sus arreglos; su pieza emblemática, "Cristo Redentor", se hizo bastante popular.

A mediados de los 60, Byrd centró más de sus energías en la enseñanza y trabajó diligentemente para hacer del jazz y su historia una parte legítima del plan de estudios universitario. Enseñó en Rutgers, Hampton, la Universidad de Nueva York y Howard a fines de los 60, y la última siguió siendo una asociación estable durante gran parte de los 70. Mientras tanto, Byrd continuó grabando ocasionalmente, cortando una serie final de álbumes hard bop durante 1966-1967 que incluían Mustang! y Blackjack. Byrd también comenzó a estudiar música africana, inspirado en parte por el emergente movimiento de conciencia negra, y se interesó en los esfuerzos de Miles Davis por atraer a un público más joven (incluidos los propios estudiantes de Byrd) experimentando con ritmos electrónicos y funk. Lanzado en 1969, Fancy Free encontró a Byrd usando un piano eléctrico por primera vez, con un sonido espacioso que recordaba a Davis De una Manera Silenciosa. Emitido en 1970, Electric Byrd tenía más sabor a brebaje de Perras, y las mermeladas de Ethiopian Knights de 1971 eran más largas, funky y agresivas.

Byrd realmente se convirtió en un artista de fusión cuando se conectó con los hermanos Larry y Fonce Mizell, quienes comenzaron a encargarse de la producción, la escritura y algunas tareas de apoyo musical. Su primera colaboración fue Black Byrd de 1972, una mezcla alegre y funky de jazz y R & B. Los críticos de jazz detestaban el álbum y llamaban a Byrd todo tipo de nombres, pero el disco fue un gran éxito; se convirtió en el más vendido en la historia de Blue Note, y simplemente no alcanzó el número uno en la lista de álbumes de R&B. A raíz de su éxito, Byrd formó un grupo de apoyo, The Blackbyrds, que fueron seleccionados de la flor y nata de sus estudiantes de música en la Universidad de Howard y grabaron durante el resto de los años 70. Byrd lanzó una serie de LP exitosos en asociación con los Hermanos Mizell, incluida la banda sonora imaginaria de blaxploitation Street Lady (1974), Stepping into Tomorrow (1975), los muy elogiados Places and Spaces (1976) y Caricatures (1977). Todos llegaron al Top Ten en las listas de álbumes de R&B, y el sencillo de Places and Spaces "Change (Makes You Wanna Hustle)" incluso tuvo un gran éxito en las discotecas. Los fanáticos del jazz-funk veneran este período en general, pero generalmente reservan sus mayores elogios para Street Lady y, especialmente, para Lugares y espacios. Como nota al margen de su carrera musical, Byrd terminó la escuela de derecho en 1976 y luego enseñó en la Universidad Central de Carolina del Norte.

Después de Caricatures, Byrd se separó de Blue Note y los Hermanos Mizell y se mudó a Elektra. Grabó varios álbumes entre 1978 y 1983, pero incluso el más exitoso comercialmente, Thank You de 1978...Para F. U. M. L. (Funking Up My Life), no coincidía con la infecciosidad de sus salidas Blue Note jazz-funk. En 1982, Byrd recibió su doctorado en Columbia Teachers College. Pasó unos años a mediados de los 80 alejado de la grabación, debido en parte a problemas de salud, pero continuó enseñando, mudándose al Estado del Norte de Texas y al estado de Delaware. A finales de los 80 y principios de los 90, Byrd volvió al hard bop de sus primeros días en varias sesiones para el sello Landmark. Participó en el proyecto Jazzmatazz del rapero Guru en 1993, y con la llegada del movimiento jazz-rap y el resurgimiento del acid jazz de Inglaterra, sus álbumes de los 70 se convirtieron en fuentes muy populares de muestras. Mientras tanto, Byrd continuó sus actividades como educador de jazz. Murió en febrero de 2013 a la edad de 80 años.
https://www.allmusic.com/artist/donald-byrd-mn0000149946#biography

 

Walter Davis Jr. • Davis Cup

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine
Walter Davis, Jr.'s debut record as a leader for Blue Note is a terrific hard bop session, a driving collection of six original tunes that emphasize the strengths not only of the pianist himself, but also his supporting band: trumpeter Donald Byrd, alto saxophonist Jackie McLean, bassist Sam Jones, and drummer Art Taylor. Apart from the lovely ballad "Sweetness," Davis Cup moves along at a brisk pace, with the rhythm section urging the soloists to new heights. Byrd has rarely sounded better, and on this date McLean provides ample evidence that he was moving beyond the conventions of hard bop and developing his own unique style. Davis, of course, does more than acquit himself -- he contributes an engaging, energetic performance that keeps the music grounded. His compositions are just as captivating, whether it's the swinging "Rhumba Nhumba" or the darkly invigorating "Minor Mind." It all adds up to a wonderful straight-ahead hard bop date, one that's so good it's a wonder that Davis didn't receive another chance to lead a session until 1979.
https://www.allmusic.com/album/davis-cup-mw0000174254


Biography
by Ron Wynn
An often remarkable and inventive bebop and hard bop pianist, Walter Davis Jr. once left the music world to be a tailor, but returned. A solid soloist, bandleader, and accompanist, he amassed a good body of work while never becoming a high-profile name even within the jazz community. Davis played with Babs Gonzales' Three Bips & a Bop as a teen, then moved from Richmond to New York in the early '50s. He played with Max Roach and Charlie Parker, recording with Roach in 1953. He joined Dizzy Gillespie's band in 1956, and toured the Middle East and South America. He also played in Paris with Donald Byrd in 1958 and with Art Blakey & the Jazz Messengers in 1959. After retiring from music for a while to run his tailor shop, Davis returned in the '60s, producing records and writing arrangements for a local New Jersey group. He studied music in India in 1969, and played with Sonny Rollins in the early '70s. Davis had another stint with the Jazz Messengers in 1975, then led his own group in New York. Davis recorded for Blue Note, Mapleshade, Debut, Denon, and Red and for various French labels. He did sessions with Roach, Rollins, Sonny Criss, Jackie McLean, Pierre Michelot, Archie Shepp, Kenny Clarke, Byrd, and Blakey, among others. Some Davis dates are available on CD.
https://www.allmusic.com/artist/walter-davis-jr-mn0000227539/biography

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine
El debut de Walter Davis, Jr. como líder de Blue Note es una excelente sesión de hard bop, una colección de seis temas originales que enfatizan la fuerza no sólo del propio pianista, sino también de su banda de apoyo: el trompetista Donald Byrd, el saxofonista alto Jackie McLean, el bajista Sam Jones y el baterista Art Taylor. Aparte de la encantadora balada "Sweetness", Davis Cup avanza a un ritmo rápido, con la sección rítmica impulsando a los solistas a nuevas alturas. Byrd rara vez ha sonado mejor, y en esta cita McLean proporciona una amplia evidencia de que se estaba moviendo más allá de las convenciones del hard bop y desarrollando su propio estilo único. Davis, por supuesto, hace algo más que cumplir: contribuye con una actuación atractiva y enérgica que mantiene la música en el suelo. Sus composiciones son igual de cautivadoras, ya sea el swing "Rhumba Nhumba" o la oscura y vigorizante "Minor Mind". Todo ello se traduce en una maravillosa cita de hard bop directo, tan buena que es de extrañar que Davis no recibiera otra oportunidad de dirigir una sesión hasta 1979.
https://www.allmusic.com/album/davis-cup-mw0000174254


Biografía
por Ron Wynn
Un pianista de bebop y hard bop a menudo notable e inventivo, Walter Davis Jr. dejó una vez el mundo de la música para ser sastre, pero regresó. Sólido solista, director de banda y acompañante, amasó una buena obra sin llegar a ser un nombre destacado ni siquiera dentro de la comunidad del jazz. Davis tocó con el grupo Three Bips & a Bop de Babs Gonzales cuando era adolescente, y luego se trasladó de Richmond a Nueva York a principios de los años 50. Tocó con Max Roach y Charlie Parker, y grabó con Roach en 1953. Se unió a la banda de Dizzy Gillespie en 1956 y realizó una gira por Oriente Medio y Sudamérica. También tocó en París con Donald Byrd en 1958 y con Art Blakey & the Jazz Messengers en 1959. Tras retirarse de la música durante un tiempo para dirigir su sastrería, Davis volvió en los años 60, produciendo discos y escribiendo arreglos para un grupo local de Nueva Jersey. Estudió música en la India en 1969 y tocó con Sonny Rollins a principios de los 70. Davis volvió a formar parte de los Jazz Messengers en 1975 y luego dirigió su propio grupo en Nueva York. Davis grabó para Blue Note, Mapleshade, Debut, Denon y Red y para varios sellos franceses. Realizó sesiones con Roach, Rollins, Sonny Criss, Jackie McLean, Pierre Michelot, Archie Shepp, Kenny Clarke, Byrd y Blakey, entre otros. Algunas fechas de Davis están disponibles en CD.
https://www.allmusic.com/artist/walter-davis-jr-mn0000227539/biography

Jackie McLean • Plays Fat Jazz

 

 

Ray Draper Quintet • Tuba Sounds

 

 

Review from All About Jazz (by Derek Taylor): The tunes on the date are a well-chosen mix of originals with a single standard thrown in as a nod to tradition. Draper’s potbellied horn is surprisingly agile on the changes, particularly on his own numbers “Jackie’s Dolly” and “Mimi’s Interlude.” Plump and viscous, it’s a sound that skates along the bedrock of the bass register while still managing to fire off quick salvos of notes. Young stays fairly understated, but still chimes in occasionally with fine solos, as on the latter composition and some intriguing exchanges, as on the opening “Terry Anne.” McLean’s devilish alto, brimming with youthful bravado, routinely dances rings around the leader’s fleshy figures. The rhythm section is usually relegated to its regular chores, but Waldron finds space both for a tune and several solo breaks. https://www.allaboutjazz.com/tuba-sounds-ray-draper-prestige-records-review-by-derek-taylor

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Resena de All About Jazz (por Derek Taylor): Los temas de esta sesion presentan una mezcla bien elegida de composiciones originales con un unico standard incluido como reconocimiento a la tradicion. La tuba de Draper resulta sorprendentemente agil sobre los cambios, particularmente en sus propios temas “Jackie's Dolly” y “Mimi's Interlude”. Su sonido es pleno y viscoso, deslizandose sobre los cimientos del registro grave mientras lanza rapidas rafagas de notas. Young se mantiene bastante contenido, aunque interviene ocasionalmente con buenos solos, como en esta ultima composicion, y con algunos intercambios interesantes, como en el tema inicial “Terry Anne”. El saxo alto de McLean, lleno de impetu juvenil, suele superar con soltura las figuras de Draper. La seccion ritmica normalmente se limita a su funcion habitual, aunque Waldron encuentra espacio para un tema y varios pasajes de solo. 

 

Jackie McLean • Presenting Jackie McLean

 

 

Jackie McLean • McLean's Scene

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
Altoist Jackie McLean tended to downgrade his Prestige recordings due to the low pay, the little prior preparation, and the jam session feel of the music. Although all of the above is true, the music (while not on a par with his Blue Note recordings of the '60s) is still pretty worthy, particularly when compared to the output of his contemporaries. McLean never really copied Charlie Parker and was one of the first in his generation to develop his own sound. Three of the six selections on this LP (a pair of standards and a blues) feature McLean with trumpeter Bill Hardman, pianist Red Garland, bassist Paul Chambers, and drummer Art Taylor. The remainder of the set is from a marathon quartet set with pianist Mal Waldron, bassist Arthur Phipps, and drummer Art Taylor, which would result in material that was used as part of five separate albums. McLean is in lyrical form on "Our Love Is Here to Stay" and "Old Folks" while playing with great intensity on his accurately titled original "Outburst."
https://www.allmusic.com/album/mcleans-scene-mw0000272558

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
El altista Jackie McLean tendía a menospreciar sus grabaciones para Prestige debido al bajo pago, la escasa preparación previa y el ambiente de jam session de la música. Aunque todo lo anterior es cierto, la música (si bien no está a la par de sus grabaciones para Blue Note de los años 60) sigue siendo bastante valiosa, especialmente en comparación con la producción de sus contemporáneos. McLean nunca copió realmente a Charlie Parker y fue uno de los primeros de su generación en desarrollar su propio sonido. Tres de las seis selecciones de este LP (un par de standards y un blues) presentan a McLean con el trompetista Bill Hardman, el pianista Red Garland, el bajista Paul Chambers y el baterista Art Taylor. El resto del set proviene de una maratónica sesión de cuarteto con el pianista Mal Waldron, el bajista Arthur Phipps y el baterista Art Taylor, que daría lugar a material utilizado en cinco álbumes separados. McLean está en forma lírica en "Our Love Is Here to Stay" y "Old Folks", mientras toca con gran intensidad en su acertadamente titulado original "Outburst."
https://www.allmusic.com/album/mcleans-scene-mw0000272558

Jackie McLean • Prestige Profiles

 

 

Review by Thom Jurek
Jackie McLean is the subject of the sixth volume in the Prestige Profiles series. The eight tracks here come from 1956 and 1957. they are deeply bluesy cuts from the later bebop and early hard bop era, and show McLean really stretching himself to come to terms with the new music that was in his head and emerged fully on his later Blue Note recordings. "Strange Blues" is here, along with the lovely "Sentimental Journey" off Volumes 4, 5, and 6, with Donald Byrd, Hank Mobley, and Mal Waldron (who appears on five selections here). There's also the fine original "Lights Out," with Byrd, Elmo Hope, Doug Watkins, and Art Taylor. While all the cuts have been previously released, the various bands here showcase McLean's versatility as a leader and, in the case of "Alto Madness," as a co-leader with John Jenkins.
https://www.allmusic.com/album/prestige-profiles-vol-6-mw0000178500

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Reseña de Thom Jurek
Jackie McLean es el tema del sexto volumen de la serie Prestige Profiles. Los ocho temas que se incluyen aquí proceden de 1956 y 1957. Son cortes profundamente blueseros de la última época del bebop y del primer hard bop, y muestran a McLean esforzándose realmente por llegar a un acuerdo con la nueva música que estaba en su cabeza y que emergió plenamente en sus últimas grabaciones de Blue Note. "Strange Blues" está aquí, junto con la encantadora "Sentimental Journey" de los volúmenes 4, 5 y 6, con Donald Byrd, Hank Mobley y Mal Waldron (que aparece en cinco selecciones aquí). También está el excelente original "Lights Out", con Byrd, Elmo Hope, Doug Watkins y Art Taylor. Aunque todos los cortes ya han sido editados anteriormente, las diferentes bandas aquí muestran la versatilidad de McLean como líder y, en el caso de "Alto Madness", como colíder con John Jenkins.
https://www.allmusic.com/album/prestige-profiles-vol-6-mw0000178500

Lee Morgan • Best of

  

Review by Richard S. Ginell
Curious listeners who encounter Lee Morgan for the first time through this single-disc anthology will come away mightily impressed, even inspired, but they will be hearing only the first part of the story. The album picks up on his teenage whiz kid days circa 1957, then jumps ahead to his renaissance in 1963-1965 as the high priest of hard bop boogaloo. Besides showcasing Morgan's brash, crackling, infinitely expressive trumpet playing, the album does a good job of emphasizing his abundant, still-underrated gifts as a composer -- with "The Sidewinder," of course, but also the strikingly lovely bossa nova "Ceora" and the near standard "Speedball." With its three bonus tracks, "I Remember Clifford," "Cornbread," and especially "Mr. Kenyatta," the CD version adds compelling corroborating evidence of Morgan's originality. The major hang-up, alas, is that the album cuts off the time line at 1965, thus leaving out Morgan's gradual move away from boilerplate hard bop toward modal, progressive explorations that reached an exciting peak on 1970's Live at the Lighthouse. The selections included here will no doubt satisfy those who would want to keep this tremendous talent locked into a single airtight box -- and frankly, it would be difficult to dispute any of the choices on their own terms. But the rest of Morgan's tragically aborted evolution deserves representation on a set like this.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-lee-morgan-mw0000198488

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Reseña de Richard S. Ginell
Los oyentes curiosos que se encuentren con Lee Morgan por primera vez a través de esta antología de un solo disco saldrán muy impresionados, incluso inspirados, pero sólo escucharán la primera parte de la historia. El álbum se remonta a sus días de adolescente alrededor de 1957, y luego salta a su renacimiento en 1963-1965 como sumo sacerdote del hard bop boogaloo. Además de mostrar el descarado, crepitante e infinitamente expresivo toque de trompeta de Morgan, el álbum hace un buen trabajo al enfatizar sus abundantes y aún subestimadas dotes como compositor - con "The Sidewinder", por supuesto, pero también la sorprendentemente encantadora bossa nova "Ceora" y el casi estándar "Speedball". Con sus tres temas extra, "I Remember Clifford", "Cornbread" y, sobre todo, "Mr. Kenyatta", la versión en CD añade pruebas convincentes que corroboran la originalidad de Morgan. El mayor problema, por desgracia, es que el álbum corta la línea de tiempo en 1965, dejando de lado el gradual alejamiento de Morgan del hard bop caldera hacia exploraciones modales y progresivas que alcanzaron un emocionante pico en el Live at the Lighthouse de 1970. Las selecciones incluidas aquí sin duda satisfarán a aquellos que quieran mantener este tremendo talento encerrado en una sola caja hermética - y francamente, sería difícil discutir cualquiera de las opciones en sus propios términos. Pero el resto de la evolución trágicamente abortada de Morgan merece ser representada en un conjunto como éste.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-lee-morgan-mw0000198488

www.bluenote.com/lee-morgan ...

Gene Ammons • The Happy Blues

 Review by Scott Yanow
The Happy Blues is one of the great studio jam sessions in history. Tenor saxophonist Gene Ammons is teamed up with trumpeter Art Farmer, altoist Jackie McLean, pianist Duke Jordan, bassist Addison Farmer, drummer Art Taylor, and the congas of Candido for four lengthy selections. Best is the title track, which has memorable solos and spontaneous but perfectly fitting riffing by the horns behind each others' solos. The other numbers ("The Great Lie," "Can't We Be Friends," and "Madhouse") are also quite enjoyable, making this a highly recommended set.
https://www.allmusic.com/album/the-happy-blues-mw0000413645

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Reseña de Scott Yanow
The Happy Blues es una de las grandes jam sessions de estudio de la historia. El saxofonista tenor Gene Ammons se junta con el trompetista Art Farmer, el contralto Jackie McLean, el pianista Duke Jordan, el bajista Addison Farmer, el baterista Art Taylor y las congas de Candido para cuatro largas selecciones. La mejor es la canción que da título al disco, que tiene unos solos memorables y un riffing espontáneo pero perfectamente ajustado por parte de las trompas tras los solos de los demás. Los demás temas ("The Great Lie", "Can't We Be Friends" y "Madhouse") también son muy agradables, por lo que es un disco muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/the-happy-blues-mw0000413645

Freddie Redd • The Complete Blue Note Recordings

  

Jackie McLean • Destination... Out

 

Review
by Thom Jurek  
Like Eric Dolphy before him, Jackie McLean sought to create a kind of vanguard "chamber jazz" that still had the blues feel and -- occasionally -- the groove of hard bop, though with rounded, moodier edges. Destination Out! was the album on which he found it. Still working with Grachan Moncur III and Bobby Hutcherson -- his direct spiritual connection to Dolphy -- McLean changed his rhythm section by employing drummer Roy Haynes and bassist Larry Ridley. This combination proved a perfect balance of the four elements. The program is four tunes, three of which were written by Moncur. If there was a perfect Blue Note session after John Coltrane's Blue Train, this was it. Opening with a ballad was a novel idea in 1966, but McLean uses Moncur's love and hate to reveal all the tonal possibilities within this group of musicians, and the textural interplay that exists in the heightened sense of form, time breaks, and rhythm changes. As begun on One Step Beyond, the notion of interval is key in this band, and an elemental part of Moncur's composition. The horn lines are spare, haunting, warm, and treated as textural elements by Hutcherson's vibes. On the tune "Esoteric," Hutcherson and Haynes throw complex rhythmic figures into the mix. Moncur's writing is angular, resembling Ornette's early-'60s melodic notions more than Coltrane's modal considerations. Hutcherson's solo amid the complex, knotty melodic frame is just sublime. "Khalil the Prophet" is McLean's only contribution compositionally to the album, but it's a fine one. Using a hard bop lyric and a shape-shifting sense of harmonic interplay between the three front-line players, McLean moves deeply into a blues groove without giving into mere 4/4 time structures. The architecture of his solo is wonderfully obtuse, playing an alternating series of eighths, 12ths, and even 16ths against Hutcherson's wide-open comping and arpeggio runs. The set ends with Moncur's "Riff Raff," a strolling blues that makes full use of counterpoint on the vibes. Moncur sets his solo against McLean's melodic engagement of Hutcherson, forcing both men into opposition positions that get resolved in a sultry, funky, shimmering blues groove. Of all of McLean's Blue Note dates, so many of which are classic jazz recordings, Destination Out! stands as the one that reveals the true soulfulness and complexity of his writing, arranging, and "singing" voice.
https://www.allmusic.com/album/destination-out%21-mw0000124614

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Reseña
por Thom Jurek  
Al igual que Eric Dolphy antes que él, Jackie McLean trató de crear una especie de "jazz de cámara" de vanguardia que todavía tenía la sensación de blues y - ocasionalmente - el groove del hard bop, aunque con bordes más redondeados y de humor. Destination Out! fue el álbum en el que lo encontró. Todavía trabajando con Grachan Moncur III y Bobby Hutcherson - su conexión espiritual directa con Dolphy - McLean cambió su sección rítmica empleando al baterista Roy Haynes y al bajista Larry Ridley. Esta combinación resultó ser un equilibrio perfecto de los cuatro elementos. El programa consta de cuatro temas, tres de los cuales fueron escritos por Moncur. Si hubo una sesión perfecta de Blue Note después de Blue Train de John Coltrane, fue ésta. Abrir con una balada era una idea novedosa en 1966, pero McLean utiliza el amor y el odio de Moncur para revelar todas las posibilidades tonales dentro de este grupo de músicos, y la interacción textural que existe en el elevado sentido de la forma, las rupturas de tiempo y los cambios de ritmo. Tal y como se inició en One Step Beyond, la noción de intervalo es clave en esta banda, y una parte elemental de la composición de Moncur. Las líneas de vientos son escasas, inquietantes y cálidas, y son tratadas como elementos de textura por los vibráfonos de Hutcherson. En el tema "Esoteric", Hutcherson y Haynes introducen complejas figuras rítmicas en la mezcla. La escritura de Moncur es angular, y se parece más a las nociones melódicas de Ornette de principios de los 60 que a las consideraciones modales de Coltrane. El solo de Hutcherson en medio del complejo y nudoso marco melódico es simplemente sublime. "Khalil the Prophet" es la única contribución de McLean a la composición del álbum, pero es muy buena. Utilizando una letra de hard bop y un sentido cambiante de la interacción armónica entre los tres músicos de primera línea, McLean se adentra profundamente en un ritmo de blues sin ceder a meras estructuras de tiempo de 4/4. La arquitectura de su solo es maravillosamente obtusa, tocando una serie alternada de octavas, duodécimas e incluso dieciseisavas contra los compases abiertos de Hutcherson y las ejecuciones de arpegio. El conjunto finaliza con "Riff Raff" de Moncur, un blues de paseo que hace pleno uso del contrapunto en los vibráfonos. Moncur contrapone su solo al compromiso melódico de McLean con Hutcherson, forzando a ambos hombres a adoptar posiciones opuestas que se resuelven en un groove de blues sensual, funky y brillante. De todos los trabajos de McLean en Blue Note, muchos de los cuales son grabaciones clásicas de jazz, Destination Out! es el que revela la verdadera conmoción y complejidad de su escritura, sus arreglos y su voz "cantante".
https://www.allmusic.com/album/destination-out%21-mw0000124614

Ray Draper • The Legendary Tuba Sounds

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
One of the first tuba players to lead his own recording session in a bebop setting, Ray Draper was only 16 when he recorded the music on this CD reissue, his debut. Teamed in a sextet with trumpeter Webster Young (also making his recording debut), altoist Jackie McLean, pianist Mal Waldron, bassist Spanky DeBrest, and drummer Ben Dixon, Draper fits in pretty well. His solos are sometimes a touch awkward rhythmically and it takes one a little while to get used to his sound in this setting but, overall, this is a successful effort. The fairly modern sextet performs straight-ahead originals by Draper, Young, and Waldron in addition to the standard "You're My Thrill."
https://www.allmusic.com/album/tuba-sounds-mw0000116509

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
Uno de los primeros tubistas en liderar su propia sesión de grabación en un entorno bebop, Ray Draper tenía apenas 16 años cuando grabó la música de esta reedición en CD, su debut. Formado en un sexteto con el trompetista Webster Young (también en su debut discográfico), el altista Jackie McLean, el pianista Mal Waldron, el bajista Spanky DeBrest y el baterista Ben Dixon, Draper encaja bastante bien. Sus solos son a veces un poco torpes rítmicamente y lleva un tiempo acostumbrarse a su sonido en este contexto, pero en general es un esfuerzo exitoso. El sexteto de estilo bastante moderno interpreta originales directos de Draper, Young y Waldron, además del standard "You're My Thrill."
https://www.allmusic.com/album/tuba-sounds-mw0000116509

Jackie McLean • Lights Out!

 

Review by Scott Yanow
Altoist Jackie McLean's second session as a leader is reissued on this CD. The music that he makes with trumpeter Donald Byrd, pianist Elmo Hope, bassist Doug Watkins and drummer Art Taylor is essentially hard bop with fairly simple (or in some cases nonexistent) melody statements preceding two romps through the "I Got Rhythm" chord changes, a pair of blues, a thinly disguised "Embraceable You" and a straightforward version of "A Foggy Day." Enjoyable if not really essential music from the up-and-coming artists.
https://www.allmusic.com/album/lights-out%21-mw0000203392

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Reseña de Scott Yanow
La segunda sesión de la altoista Jackie McLean como líder se reedita en este CD. La música que hace con el trompetista Donald Byrd, el pianista Elmo Hope, el bajista Doug Watkins y el baterista Art Taylor es esencialmente hard bop con declaraciones melódicas bastante simples (o en algunos casos inexistentes) que preceden a dos retozos a través de los cambios de acordes de "I Got Rhythm", un par de blues, un "Embraceable You" apenas disfrazado y una versión sencilla de "A Foggy Day."Música agradable, si no realmente esencial, de los artistas emergentes.
https://www.allmusic.com/album/lights-out%21-mw0000203392

Jimmy Smith • Plain Talk

Plain Talk is an album by American jazz organist Jimmy Smith featuring performances recorded in 1960 but not released on the Blue Note label until 1968. The album was rereleased on CD combined with Open House (1960) in 1992 compiling all the recordings from the session.

Artist Biography

Jimmy Smith is an NEA Jazz Master Born James Oscar Smith in Norristown, Pennsylvania, USA. Smith was influenced by both gospel and blues. He first achieved prominence in the 1950s where his recordings became popular on jukeboxes before there were commonly used terms to describe his unique musical flavor. In the sixties and seventies he helped create the jazz style known as 'funk' or 'soul jazz'.

There had been earlier limited use of the electronic organ in jazz (notably by Fats Waller and Count Basie), though these early examples sometimes had a novelty feel. Smith is widely recognized as introducing the electric organ as a legitimate musical instrument, capable of virtuoso improvisation.

Smith employed a unique technique to emulate a string bass player on the organ. Although he played walking bass lines on the pedals on ballads, for uptempo tunes, he would play the bass line on the lower manual and use the pedals for emphasis on the attack of certain notes. His solos were characterised by percussive chords mixed with very fast melodic improvisation with the right hand. He generally used a drawbar registration of 868000000 or 888000000 on the lower manual, which he used for the bass line and comping chords. He used a similar registration on the upper manual, which he used for soloing, but with the addition of the Hammond's percussion circuit.

Smith was a prolific recording artist. He first recorded with the Blue Note label in 1956. His early albums with Blue Note sold very well, improving its financial viability and aiding the label's efforts to promote other artists. They include Home Cookin' , The Sermon!, Midnight Special, Prayer Meetin' , and Back at the Chicken Shack.

Jimmy Smith is an NEA Jazz Master

Smith signed to Verve Records label in 1963. Smith's albums with Verve include: The Cat, The Boss, Root Down, Peter & The Wolf, Any Number Can Win, The Incredible..., Bashin' , Got My Mojo Workin' , Christmas Cookin' , and Organ Grinder Swing.

It was in this period that he began a regular collaboration with Guitarist Wes Montgomery, with whom he recorded two albums: The Dynamic Duo with Wes Montgomery and Further Adventures Of Jimmy and Wes.

Smith recorded with a full orchestra and worked with arrangers and conductors such as Lalo Schifrin and Oliver Nelson. He also worked in small groups that featured many of the best jazz musicians of his era: Kenny Burrell, Donald “Duck” Bailey, Grady Tate, Lee Morgan, Lou Donaldson, Tina Brooks, Jackie McLean and Stanley Turrentine among them.

Smith had a career revival in the 'eighties and 'nineties, again recording for Blue Note and Verve, as well as for the Milestone label. There are also numerous recordings with other artists available including: Love And Peace: A Tribute To Horace Silver with Dee Dee Bridgewater (1995) and Blue Bash! with Kenny Burrell (1963).

His influence has been felt across multiple generations and musical styles; nearly every subsequent jazz organist owes a large debt to Smith. The Beastie Boys (who sampled the bassline from Smith's “Root Down (and Get It)”�”and saluted Smith in the lyrics�”for their own hit “Root Down”), Medeski, Martin & Wood, and The Hayden-Eckert Ensemble are among the better known contemporary bands that pay tribute to Smith's sensibilities and sound. The Acid Jazz movement also reflects Smith's influences.

Smith died on February 8, 2005, in Scottsdale, Arizona, USA.

https://musicians.allaboutjazz.com/jimmysmith

more ... https://www.allaboutjazz.com/jimmy-smith-master-of-the-hammond-b-3-jimmy-smith-by-mark-sabbatini.php

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Plain Talk es un álbum del organista de jazz estadounidense Jimmy Smith con actuaciones grabadas en 1960 pero que no se publicaron en el sello Blue Note hasta 1968. El álbum fue reeditado en CD junto con Open House (1960) en 1992, recopilando todas las grabaciones de la sesión.

Biografía del artista

Jimmy Smith es un Maestro de Jazz de NEA nacido James Oscar Smith en Norristown, Pennsylvania, USA. Smith fue influenciado tanto por el gospel como por el blues. Alcanzó prominencia por primera vez en la década de 1950, cuando sus grabaciones se hicieron populares en las gramolas antes de que existieran términos de uso común para describir su sabor musical único. En los años sesenta y setenta ayudó a crear el estilo de jazz conocido como'funk' o'soul jazz'.

Anteriormente había habido un uso limitado del órgano electrónico en el jazz (especialmente por Fats Waller y Count Basie), aunque estos primeros ejemplos a veces tenían una sensación de novedad. Smith es ampliamente reconocido por introducir el órgano eléctrico como un instrumento musical legítimo, capaz de improvisar virtuosamente.

Smith empleó una técnica única para emular a un bajista de cuerdas en el órgano. Aunque tocaba las líneas de bajo en los pedales de las baladas, para las melodías uptempo, tocaba la línea de bajo en el manual inferior y usaba los pedales para enfatizar el ataque de ciertas notas. Sus solos se caracterizaron por acordes percusivos mezclados con una improvisación melódica muy rápida con la mano derecha. Generalmente utilizaba un registro de barra de tiro de 86800000000 o 88800000000 en el manual inferior, que utilizaba para la línea de bajo y los acordes de compás. Utilizó un registro similar en el manual superior, que utilizó para los solos, pero con la adición del circuito de percusión de Hammond.

Smith fue un prolífico artista discográfico. Grabó por primera vez con el sello Blue Note en 1956. Sus primeros álbumes con Blue Note se vendieron muy bien, mejorando su viabilidad financiera y ayudando a los esfuerzos de la discográfica en la promoción de otros artistas. Entre ellas se incluyen Home Cookin' , The Sermon', Midnight Special, Prayer Meetingin' , y Back at the Chicken Shack.

Jimmy Smith es un Maestro de Jazz de la NEA

Smith firmó con el sello Verve Records en 1963. Los álbumes de Smith con Verve incluyen: The Cat, The Boss, Root Down, Peter & The Wolf, Any Number Can Win, The Incredible..., Bashin' , , Got My Mojo Workin' , Christmas Cookin' , y Organ Grinder Swing.

Fue en este período que comenzó una colaboración regular con el guitarrista Wes Montgomery, con quien grabó dos discos: El Dúo Dinámico con Wes Montgomery y Otras Aventuras de Jimmy y Wes.

Smith grabó con una orquesta completa y trabajó con arreglistas y directores como Lalo Schifrin y Oliver Nelson. También trabajó en pequeños grupos en los que participaron muchos de los mejores músicos de jazz de su época: Kenny Burrell, Donald "Pato" Bailey, Grady Tate, Lee Morgan, Lou Donaldson, Tina Brooks, Jackie McLean y Stanley Turrentine entre otros.

Smith tuvo un renacimiento de su carrera en los años ochenta y noventa, grabando de nuevo para Blue Note y Verve, así como para el sello Milestone. También hay numerosas grabaciones con otros artistas disponibles, incluyendo: Amor y Paz: Un homenaje a Horace Silver con Dee Dee Bridgewater (1995) y Blue Bash! con Kenny Burrell (1963).

Su influencia se ha sentido a través de múltiples generaciones y estilos musicales; casi todos los organistas de jazz posteriores tienen una gran deuda con Smith. The Beastie Boys (que probaron el bajo de "Root Down (and Get It)"�" de Smith y saludaron a Smith en el lyrics�"por su propio éxito "Root Down"), Medeski, Martin & Wood y The Hayden-Eckert Ensemble están entre las bandas contemporáneas más conocidas que rinden tributo a la sensibilidad y el sonido de Smith. El movimiento Acid Jazz también refleja las influencias de Smith.

Smith murió el 8 de febrero de 2005 en Scottsdale, Arizona, Estados Unidos.

https://musicians.allaboutjazz.com/jimmysmith

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Lee Morgan • Leeway

 

Jackie McLean • Jackie's Bag

 

Review
by Steve Huey  
Jackie's Bag is split between two different recording sessions: the first, from January 1959, was the first session Jackie McLean ever led for Blue Note, and the second was a sextet date from September 1960 that featured tenor saxophonist Tina Brooks as a co-leader in all but name. According to the liner notes, McLean's first date produced only three songs of releasable quality, which are included here. Six tunes were cut at the Brooks session, which were all issued in Japan as Street Singer, and half appeared on the original Jackie's Bag LP. Given the transitional time period of the first and Brooks' musical taste on the second, the music on Jackie's Bag finds McLean in a staunchly hard bop mode, with occasional hints of adventurousness. While McLean's debut performances are certainly well done, the most distinctive appeal of the album lies in the Brooks collaborations. There are exotic flavors to McLean's terrific "Appointment in Ghana" and Brooks' "Isle of Java"; of the newly added bonus tracks, Brooks' "Medina" has a particularly complex and memorable theme, and his "Street Singer" was actually issued on his own Back to the Tracks album as well. Despite crucial contributions from trumpeter Blue Mitchell and drummer Art Taylor, the real focal point of these performances is the complementary interplay between McLean and Brooks, the latter of whom does a nice job of matching the former's legendarily hard-edged tone. McLean devotees will want this anyway, but the quality of the Street Singer material pushes Jackie's Bag far beyond a simple gap-plugging historical release.
https://www.allmusic.com/album/jackies-bag-mw0000192190

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Reseña
por Steve Huey  
Jackie's Bag se divide en dos sesiones de grabación diferentes: la primera, de enero de 1959, fue la primera sesión que Jackie McLean dirigió para Blue Note, y la segunda fue una fecha de sexteto de septiembre de 1960 que contó con la saxofonista tenor Tina Brooks como co-líder en todo menos en el nombre. Según las notas de presentación, la primera cita de McLean sólo produjo tres canciones de calidad publicable, que se incluyen aquí. En la sesión de Brooks se grabaron seis temas, que se publicaron en Japón como Street Singer, y la mitad aparecieron en el LP original Jackie's Bag. Dado el período de transición del primero y el gusto musical de Brooks en el segundo, la música de Jackie's Bag encuentra a McLean en un modo hard bop incondicional, con ocasionales toques de aventurerismo. Aunque las interpretaciones del debut de McLean están ciertamente bien hechas, el atractivo más distintivo del álbum reside en las colaboraciones de Brooks. Hay sabores exóticos en la estupenda "Appointment in Ghana" de McLean y en "Isle of Java" de Brooks; de las nuevas canciones extra añadidas, "Medina" de Brooks tiene un tema particularmente complejo y memorable, y su "Street Singer" se publicó en su propio álbum Back to the Tracks. A pesar de las contribuciones cruciales del trompetista Blue Mitchell y el batería Art Taylor, el verdadero punto focal de estas actuaciones es la interacción complementaria entre McLean y Brooks, el último de los cuales hace un buen trabajo igualando el legendario tono duro del primero. Los devotos de McLean querrán esto de todos modos, pero la calidad del material de Street Singer empuja a Jackie's Bag mucho más allá de un simple lanzamiento histórico para llenar huecos.
https://www.allmusic.com/album/jackies-bag-mw0000192190

Mal Waldron • Left Alone

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
This obscure CD reissue has the wrong date listed (it is from February 24, 1959, not November 1957) and fails to mention that altoist Jackie McLean sits in with pianist Mal Waldron's trio (which includes bassist Julian Euell and drummer Al Dreares) on the title cut, a number co-written by Waldron and Billie Holiday. Although Waldron dedicated the album to Lady Day and talks about her a bit on the last track in a short interview with vibraphonist Teddy Charles (which was recorded a bit later), he actually only performs one song from her repertoire: "You Don't Know What Love Is." Otherwise this rather brief CD has the title cut, two other typically brooding Waldron originals plus Sonny Rollins' "Airegin." McLean's emotional alto is such a strong asset on the title cut that one wishes he were on the rest of this worthwhile set.
https://www.allmusic.com/album/left-alone-mw0000651178

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
Esta oscura reedición en CD tiene la fecha incorrecta (es del 24 de febrero de 1959, no noviembre de 1957) y no menciona que el saxofonista alto Jackie McLean participa con el trío del pianista Mal Waldron (que incluye al bajista Julian Euell y al baterista Al Dreares) en el tema titular, una composición coescrita por Waldron y Billie Holiday. Aunque Waldron dedicó el álbum a Lady Day y habla un poco sobre ella en la última pista en una breve entrevista con el vibrafonista Teddy Charles (que fue grabada un poco después), en realidad solo interpreta una canción de su repertorio: "You Don't Know What Love Is". Por lo demás, este CD bastante breve tiene el tema titular, otros dos originales típicamente melancólicos de Waldron más "Airegin" de Sonny Rollins. El emotivo saxo alto de McLean es un activo tan fuerte en el tema titular que uno desearía que estuviera en el resto de este valioso conjunto.
https://www.allmusic.com/album/left-alone-mw0000651178